The Great God Pan Is Dead

The Great God Pan Is Dead

Tuesday, February 26, 2013

Dissatisfaction: A Talk with Marzia Faggin

Virginia Billeaud Anderson

Recently two Houston critics published reviews of Marzia Faggin’s Dissatisfaction exhibition at d.m. allison art, which can be seen through March 2, and if I invoke them, it’s because they are informative. Devon Britt-Darby, writing for Arts & Culture Magazine, considered Faggin’s thirteen wall mounted three-dimensional panels to be a continuation of the work she showed at Nau-haus Art in 2011, which he described as “life-size painted cast-plaster still lifes of potentially addictive pills like Lithium, Xanax and Adderall, which she juxtaposed with equally convincing replicas of equally addictive chocolates, cookies and other sugary snacks.” Faggin’s new work, according to Britt-Darby, “keeps the same intimate, life-size scale, but ups the ante both conceptually and formally. Candies, some half-eaten; pills; and snuffed-out cigarettes now sit along expertly cast and hand-painted copies of books from Faggin’s personal library. And what a library it is: Junky by William S. Burroughs, Albert Camus’s The Stranger and Charles Bukowski’s Ham on Rye are among the volumes sharing real estate on what Faggin calls ‘details of a nightstand’ with scattered chocolates, capsules, and other bits of evidence of how the nightstand owner numbs or deflects his or her pain.”

Writing for the Houston Press, Abby Koenig described the objects on Faggin’s panels as those “one might find after a night of soul searching and debauchery,” and rightly associated the panels’ books with our yearning for meaning in life. The “hopelessness” that leads us to read Sartre, Burroughs and Bukowski, she suggested, explains our use of pills, booze, cigarettes and Kit Kat bars. The critic further noted how realistic the objects seem, “the details are so perfect; the rice crisps of the Krackel bar pop out of the plaster chocolate,” she wrote, which is precisely the reaction I had the first time I encountered one of Faggin’s panels of addictive pills at PG Contemporary in 2012.

Cumulatively the two critics provide a fine description of Faggin’s art. After talking to the artist I would like to add a tiny bit more.

Marzia Faggin, Detail of a Night Stand: Ham on Rye, 2013, Hand painted plaster (Hydrocal),12 x 12
Virginia Billeaud Anderson: Let’s get the topic of addiction out of the way, for anyone who thinks your art is about addiction, or wonders if you have had personal experience with addiction, either yours, family or friends.

Marzia Faggin: The art is not about addiction, it’s about existential angst, our need to understand human existence. I was thinking about what a lonely space a nightstand can be, the half-eaten chocolates, and other objects speak of “dissatisfaction.” I have been smoking cigarettes since I was 13 and have quit at least 25 times, the longest stretch without being over a year when I was pregnant and nursing. Addiction to anything can be miserable and I empathize. Effects on the mind and body vary, but addiction can bring suffering and self loathing. I have friends without any addictions, friends who are addicts, and some are former addicts. The most common addiction among my friends is food.

VBA: Briefly describe the process of making casts – do you construct a mold from the real object, how is it done?

MF: When I began working I often incorporated pre-fabricated molds along with the original molds. For “Dissatisfaction” I constructed molds for everything except the art’s base, which I cast from a 12″ x 12″ pre-fabricated tile mold. I use a two-part silicone to make a mold of the objects, cast from real objects, and pour plaster into the molds. It’s not a complicated process and is similar to baking. At first you follow the recipe, then you learn to eyeball the ingredients.

Collaboration with my brother Eric Faggin brought me to this. In early 2010 we worked together on a piece called Natura Morta for the group showMaterial and deStructure, curated by Zoya Tommy at PG Contemporary Gallery, which is now called Zoya Tommy Contemporary Gallery. We made a cast concrete frame above a bed of grass with flowers. When water was sprayed on the frame, the inscription Natura Morta, (“Still Life” in Italian) appeared. While Eric worked on the concrete frame, I experimented with materials to make the flowers, searched the Internet for materials and molds, eventually trying latex, alginate, putty, silicone, baking molds, as well as various types of plaster. About the time I decided to use Permastone, the artist Richard Soler suggested I use Hydrocal because it’s lighter and whiter.

Two of my paintings in Zoya’s show caught the attention of the critic Robert Boyd, who contacted me a few months later and asked me to be part of an exhibition he was curating for the Freneticore Theater Fringe Festival. The 15 plaster wall hangings I made represented my beginning in this art form.

Marzia Faggin, Detail of a Nightstand: The Stranger, 2013, Hand painted plaster (Hydrocal),12″ x 12″

VBA: Do you sketch or design the composition before you create each panel?

MF: No, I don’t sketch or design the compositions. I’m usually unsure about arrangement until I’ve completed the individual elements. It’s like having a bunch of puzzle pieces that can be re-arranged, until I’m satisfied that the results communicate what I have in mind. For Dissatisfaction, I knew which books I would include, and also which objects – candy, cigarettes – would be “details of a nightstand,” but not the arrangement of the panels.

VBA: Are the “real” candy, pills, books or cigarettes in front of you to guide you?

MF: Yes, I have the “real” object in front of me as a guide, but I tend to make colors brighter, since I love color.

VBA: It must require precise brush handling to make plastic appear like real chocolate or Xanax. Is coloring a lengthy or tedious process? Make a comment about the brushes you use.

MF: The brushes range from size 000 to 6. Painting is labor intensive, and can take 8 hours to paint 3 chocolates, I spent 6 months painting half-eaten chocolates, so boring. I was not sure why I was doing it. A half-eaten chocolate represents something painful. Even the act of painting these chocolates depressed me.

VBA: Why do you think you are drawn to such precise manipulation of materials?

MF: I love to work with my hands, I love to paint, and I’m a “bit” obsessive. Working in 3-D suits my skills, I can more effectively express myself.

VBA: In the past when you painted, I can’t help but wonder if you had an obsessively representational style. Did your paintings and print art forewarn of the work you are doing now?

MF: I don’t know if my style was representational, but my technique was one that lacked visible brush strokes. Precision and color are very important. When I printed with Dan Allison I applied paint to some of the prints. Drawing is not my forte. But combining computer images with traditional techniques suited me because with the computer, images become objects that can be endlessly moved around, similar to the 3-D objects I create, and move around until I’m satisfied the composition expresses what I’m feeling.

Marzia Faggin, Detail of a Night Stand: Go Now, 2013, Hand painted plaster (Hydrocal), 12″ x 12″

VBA: You were formally trained to manipulate images. According to your biographical material you studied graphic design at the Instituto Europeo Di Design in Milan, and paper conservation at Atelier Deltos di Simonetta Rosatelli. Surely experience in graphic design adds to this artistic expression, but do you think the chemistry you learned when studying paper conservation flavors the work with molds and cast plastic?

MF: Studying graphic design shaped me tremendously. It taught me to be precise and clean, even if I did not start out that way. The first months of school took some adjusting. I presented my exercises with fingerprints, smudges and creases on the paper and my classmates and professors were horrified. I didn’t even know how to use a ruler. The X-Acto knife was suicidal, which is funny, because now the ruler and X-Acto knife are as indispensable as my hands. School taught me precision and patience. Paper conservation is precise and repetitive, patience is key in that work.

VBA: Let’s talk about the books. In our previous discussion you acknowledged their existential significance, and said you choose books that “relay the darker element of suffering.” Rimbaud, Sartre and Burroughs are bleak, but Camus! I remember dissecting The Stranger in a graduate school seminar, and thinking how perfectly its opening lines convey the absurdity of our existing as mortals within an indifferent universe. In Camus’s story, which you reproduced as a nightstand element, existence is alienated from meaning. Comment on your connection to the literature. Did you “seriously” study this literature, in an academic environment?

MF: I did not “seriously” study literature. I like to read, but don’t consider myself well-read. I gravitate toward books that question life, and entertain the psychological motivations behind behavior, reasons for hypocrisy, criminality, injustice, loneliness, violence and suffering, as well as the search for truth. I like books that make me think.

I want to say this, even if it sounds corny or lame. Ever since I was a child I’ve been hoarding candy, the brighter the colors, the better, for me candy is one of the most beautiful things in the world. As an adult I don’t have to hide my candy, and I have it everywhere, which is strange because I don’t have much of a sweet tooth. This might seem to contradict my previous description of half-eaten chocolate bars as sad, but in my imagination chocolate absorbs sorrow, and candy seems to deflect it.

And this might be too corny, but in 2004 while living in Florence I decided to discontinue working as a graphic designer about the time of my first solo show in a bookstore called Libreria Martelli, organized by Paolo Giomi, the husband of Simonetta Rosatelli who operated Atelier Deltos where I apprenticed in paper conservation. My husband Manuel Terranova supported my decision to pursue a different career. We moved to Houston in 2006 when I was 7 months pregnant and the house we bought was near Texas Collaborative, Redbud and G Gallery, which turned out to be the best thing that could have happened. About a year after having my daughter Isabella, I started to harass Dan Mitchell Allison, Gus Kopriva, Max Boyd-Harrison, and Heidi Powell Prera, bothering them in their galleries, humiliating myself. Moral of the story: If I hadn’t moved to Houston, I might not have realized my goal of becoming an exhibiting artist. Houston has been incredibly supportive, people here gave me a chance, for which I will always be grateful, and particularly to Dan Mitchell Allison and Zoya Tommy for fostering my “career.”

 Un grande abbraccio a Marzia per aver  menzionato me e Paolo nella sua intervista e soprattutto per averci ricordato i bellissimi momenti  trascorsi insieme a Firenze. 

GRAZIE e Buona Fortuna nella tua carriera artistica!


Art Conservation Department: Technical Examination and Documentation


Art Conservation Department: Paper Specialization


Al via i corsi di restauro carta a Calenzano

Al via i corsi di restauro carta a Calenzano
giovedì 7 febbraio 2013

Lunedì 11 febbraio 2013 i nuovi laboratori di restauro carta della nostra sede succursale di Calenzano, Via Vittorio Emanuele 32, sono stati inaugurati dal corso destinato agli studenti dell’Università di Dubrovnik.

Il corso sarà seguito per cinque settimane dai docenti Antonella Brogi e Simonetta Rosatelli          (che sarà assistita da Francesca De Angelis, Annalisa Pignataro e Marianna Tizzani).
Alla cerimonia di inaugurazione erano presenti la Presidenza e la Direzione dell’Istituto.
Un ringraziamento speciale per aver contribuito alla nuova organizzazione dei laboratori va a Elena Casucci, Paolo Pieri Nerli, Kirill Tarasenko, Francesco Giorgi, Max Cucchiarini, Gianni Legato, Angelo Bonet, Mauro Giachetti.

sito web


Se Bob Dylan scopre la pittura

A Milano la prima mostra italiana del grande “menestrello” del rock. Che disegna sin dai suoi primi anni di carriera musicale ma solo di recente si è deciso a esporre le sue opere nel mondo. La sua fugace apparizione a Palazzo Reale

Dylan pittore in mostra a Milano

Non sentiremo riecheggiare le note di Bob Dylan dentro gli spazi di Palazzo Reale a Milano, ma potremo osservare le forme e  i colori  delle sue composizioni pittoriche. Apre oggi  al pubblico la mostra “The New Orleans Series”, la prima esposizione  in Italia in uno spazio pubblico del cantautore americano, curata dal critico-star Francesco Bonami, che l’assessore alla cultura Stefano Boeri ha voluto come nuovo responsabile del calendario espositivo milanese.

Bob Dylan, figura simbolo degli anni ’60 della canzone impegnata e di protesta, eclettico e irrequieto nell’arte come nella vita, oltre ad aver sperimentato nei suoi 50 anni di carriera generi musicali diversi, ha messo alla prova la sua creatività anche in altri ambiti espressivi. Ricordiamo il Dylan poeta, romanziere, intellettuale mpegnato, attore, e ora abbiamo l’occasione di conoscere anche il pittore. Che disegnare e dipingere fosse uno dei suoi linguaggi artistici preferiti, lo ha spesso dichiarato, ma ultimamente si è spinto oltre, ammettendo di sentirsi più a suo agio davanti a una tela da colorare, che a un foglio bianco da riempire.

Tutto ha preso il via nel 1966, quando vittima di un incidente motociclistico, che lo costrinse a stare a letto per alcuni mesi, si ritrovò a maneggiare pennelli e colori, che da lì in poi non ha più abbandonato. Disegna quando va in tournée, trova tempo per dedicarsi alla pittura mentre compone musica, insomma il linguaggio visivo è un aspetto della sua artisticità, che sta iniziando a prevalere sul resto. Negli Stati Uniti ha reso pubblici i suoi lavori già molte volte, conquistando anche una delle più ambite gallerie al mondo, la newyorkese Gagosian Gallery, ma  fu snobbato dalla critica piuttosto inclemente in quella occasione; in Europa ha esposto per la prima volta nel 2007 con una personale organizzata al Kunstmuseum di Chemnitz, in Germania e ora l’esibizione milanese ci offre l’occasione per un incontro ravvicinato con i suoi lavori.

La serie in mostra presenta 22 dipinti recenti, per lo più ripresi da immagini fotografiche, che illustrano una New Orleans degli anni 50 decadente, avvolta in tinte terrose, piuttosto tetra, fatta di angoli angusti e figure enigmatiche, come fossero ritratti usciti da un noir alla James Ellroy. Il tratto semplice e la pennellata pastosa, ” che richiama lo stile di Gauguin, ma con colori tendenti al cupo”, ha spiegato con leggero azzardo il curatore Francesco Bonami, rimanda piuttosto alla pittura americana figurativa d’inizio secolo, come se anch’egli avesse frequentato da studente discreto, le lezioni di Robert Henry, grande maestro di Edward Hopper, Rockwell Kent, George Bellows e Man Ray. Con la determinazione di chi pratica la dimensione di artista totale, data dall’innegabile capacità e volontà di percorrere tutte le direzioni possibili, l’autore di “Blowin’ in the Wind” prosegue la sua ricerca tra le pieghe espressioniste e metafisiche della grande pittura del novecento, con la convinzione che: “Bisogna credere in ciò che si fa e dedicarsi a quello”. È facile rimanere intrappolati in quello che la gente pensa che dovresti fare. Ma restare convinti di questo ha un suo prezzo”.

Rimane da chiedersi come mai uno spazio istituzionale come Palazzo Reale abbia in questo caso ceduto più alla celebrità del personaggio che alla sua statura artistico-pittorica. C’è chi sostiene che i musei con queste operazioni corrano il rischio di diventare luoghi d’intrattenimento piuttosto che di studio e approfondimento; ma esporre una “passeggiata alternativa” di chi ha già tanto dimostrato, è in realtà, molto più di altre, un’onesta opportunità per attrarre e accorciare le distanze con un pubblico che diversamente non si avvicinerebbe.

Una curiosità. Bob Dylan non ha presenziato all’inaugurazione, ma il curatore ha raccontato che “il menestrello del rock” è passato dalle sale di Palazzo Reale per vedere la mostra, che ha molto apprezzato. Con insistenza ha voluto conoscere il giudizio di chi le sue opere le aveva toccate, spostandole e appendendole, allestendo la mostra. Poi, come nel suo stile, non si è concesso a nessuno e soddisfatto, sostengono, ha  lasciato Milano.

Notizie utili. A Palazzo Reale. Piazza Duomo, 12 Milano. Lunedì dalle 14.30 alle 19.30 Martedì, Mercoledì, Venerdì e Domenica dalle 9.30 alle 19.30 Giovedì e Sabato dalle 9.30 alle 22.30. Ultimo ingresso mezz’ora prima della chiusura. Ingresso libero. Aperta fino al 10 marzo 2013.

Valentina Tosoni

Quotidiano digitale la

Dylan pittore in mostra a Milano

Oggi non pubblico una notizia relativa al restauro, ma relativa al mondo dell’Arte si, dell’Arte a “tutto tondo”. Perché così dovrebbe essere, sempre e comunque. Non siamo fatti a compartimenti stagni e se oggi annunciano che uno dei “cantautori per eccellenza” espone le sue opere a Milano, non posso che omaggiarlo nel mio sito. Bob è stato il simbolo della contestazione, della libertà, della ricerca di un modo diverso e più umano e meno ipocrita di colorare il mondo, la nostra società universale. Ha scritto testi stupendi e se la sua anima ha svolazzato nell’aria imprimendo pennellate di colori su una tela, mi conferma ancora di più che la profondità di un artista riesce ad esprimersi in tante forme e valenze. E questo è semplicemente bello.

Andrò sicuramente a vedere la sua mostra!

Ciao a tutti


:-) :-) :-) :-):-) :-) :-) :-)


Torre dei Doria, inchiesta sul restauro-scempio

Santa Maria Coghinas, la Procura indaga sui lavori nella fortezza medievale costati 250mila euro: pietre bianche, tetto di tegole moderne, muro di cinta raso al suolo per far passare i camion


Non sono tanti i luoghi capaci di riempire così gli occhi. Tanto che da quassù lo sguardo pialla ogni cosa in una distesa infinita, e vien voglia alzare un desiderio al cielo, sancire un giuramento, fare una solenne promessa.

Forse, anche per questo, la Torre dei Doria avrebbe meritato molta più gratitudine e soprattutto più rispetto. Perché questo piccolo baluardo ha resistito ai secoli, alla smania di devastazione dei piemontesi, alla pioggia e al vento, ma contro il cattivo gusto e la mano scellerata dell’uomo c’è poco da difendersi. Certi restyling frettolosi possono essere più distruttivi di un terremoto. Come quelle chirurgie plastiche che pretendono di piallare le rughe e le cicatrici del tempo con secchiate di silicone. Qualcuno dovrebbe pagare e forse a breve pagherà per questo insulto al passato.

Per ora la magistratura ha posto sotto sequestro i resti del castello, gli agenti della forestale hanno sistemato i sigilli, e il pubblico ministero ha notificato gli avvisi di garanzia ai titolari della ditta che ha eseguito il restauro, al responsabile dell’ufficio tecnico del Comune e al direttore dei lavori: l’accusa è danneggiamento di beni culturali. Ed è un vero peccato vedere il Castello dei Doria rammendato di bianco, con delle toppe di pietra chiara che hanno la delicatezza estetica di un pugno dritto sullo sguardo. Eppure il suo abito di porfido rosso e granito gli conferiva un aspetto maestoso e solido, sicuramente molto più fiero rispetto a questa improbabile mise bicolore.

E poi lo scempio più assurdo è in cima alla torre. L’ultima cosa che uno potrebbe aspettarsi è un tetto fatto di tegole lucide e arancioni, che sembrano tirate fuori dalla scatola delle casette Lego. È come mettere un copricapo di pannelli fotovoltaici sopra un nuraghe. Uno pensa: mica facile ricostruire la copertura come era in origine. E invece il tempo aveva riconsegnato integra anche quella, con le antiche tegole annerite dai secoli e sbeccate dalle intemperie.

Niente da fare: tutto smantellato e lasciato per terra come inutile materiale di risulta.     Poi a ottobre gli agenti della forestale hanno ispezionato ancora il cantiere, hanno scoperto le tegole, hanno visto tra i cumuli anche una trave lignea antica, tagliata in due con la motosega, e hanno segnalato il ritrovamento alla magistratura.

Ora ogni cosa è custodita nella sala consiliare del Comune di Santa Maria Coghinas, avvolta dal nastro bianco e rosso, con il sigillo della Procura. Il sindaco Pietro Carbini, ogni volta che ci butta l’occhio scuote la testa: «Tre gioielli abbiamo in paese: le Terme, la chiesa e il Castello. È incredibile come è stato ridotto quest’ultimo. Lo scempio è sotto gli occhi di tutti, e tutti se ne lamentano». Ed è un vero peccato, perché il Castello dei Doria, oltre a essere una delle strutture medioevali meglio conservate in Sardegna, è uno di quegli avamposti, sospesi tra cielo e terra, che sembrano creati per prendere le distanze dal mondo. Quando si arriva in cima si apprezza tutta la sua potenza: da lassù tutto si riunisce in un solo sguardo e ogni dettaglio sembra far parte di un solo vasto paesaggio. Da una parte la piana del Coghinas, i campi coltivati che si allungano a perdifiato sino al mare, e poi il profilo delll’Asinara e della Corsica a spezzare l’orizzonte. E dall’altro versante l’azzurro della diga, e poi il fiume che si arrampica su alture di un verde intenso e selvaggio. Qualsiasi cosa si muovesse nell’arco di venti chilometri, il vecchio Brancaleone Doria poteva vederlo. Insomma, niente male per un megascreen naturale concepito in pieno medioevo. In verità non si sa chi l’abbia costruito nel 1200, ma un secolo dopo il Castello finì nelle mani della famiglia d’Arborea, ed Eleonora lo portò in dote quando sposò Brancaleone Doria. Niente di meglio di una residenza sicura e inaccessibile, con un’impagabile vista sul Golfo. Dopodiché la fortezza finì al centro delle guerre di indipendenza contro gli aragonesi, e poi dal 1500 in poi cominciò il lento declino.

Nel 1700 i piemontesi distrussero la maggior parte della costruzione e restò in piedi solo un torrione di una trentina di metri, alcuni tratti di cinta muraria e una grande cisterna. Poi a buttare giù una bella porzione di antiche mura ci ha pensato nel 2010 l’impresa che si era aggiudicata i lavori di restauro. Importo: 250mila euro e 115 giorni utili per scrostare un po’ di secoli da quelle pareti rosicchiate dal vento. Ma evidentemente aprire un cantiere sulla cima di un monte è già difficile, ancora di più se camion e ruspe devono fare il giro largo intorno a bastioni e fortificazioni. Così quattro metri di muro di cinta vengono rasi al suolo per consentire un agile accesso. Ed è a questo punto che scatta la prima parte dell’inchiesta della magistratura. La puntata successiva risale all’ottobre scorso, e si concentra invece sulla questione delle tegole e della trave. Con degli interessanti risvolti che riguardano anche la scelta dei materiali per il restyling. Della serie: le pietre bianche rientravano nelle indicazioni del progetto? E la Soprintendenza, in genere così attenta, severa e meticolosa quando si tratta di spostare una sola pietruzza, era favorevole al monumento bianco-rosso? E che dire delle tegole da casetta di campagna?

Una cosa certa: c’è voluto un gran accanimento estetico per violentare a tal punto un così bel regalo del passato.

di Luigi Soriga, 4 gennaio 2013   –   La Nuova Sardegna/ Sassari/ Cronaca/ Torre dei Doria, inchiesta sul restauro-scempio


Seattle Art Museum Restoring Pollock Painting

Pollock Seattle Art Museum

SEATTLE – Il Seattle Art Museum sta restaurando un dipinto di Jackson Pollock del 1947, che è stato modificato nel 1970 con una mano di vernice.
I lavori sono iniziati la scorsa estate nello studio di conservazione del museo di “Sea Change”. E ‘ un lavoro fondamentale nella collezione permanente del museo che rappresenta la transizione di Pollock alla ” drip technique”.

Giornalisti e fotografi sono stati invitati Martedì a vedere come viene recuperata la superficie originale di “Sea Change”, rivelando il metodo e l’intento dell’artista, morto nel 1956.

Il restauro è particolarmente complicato a causa dei diversi tipi di supporto e dello spessore della superficie, ha detto Nicholas Dorman, conservatore capo per il museo.

Il dipinto ha una dimensione di circa 4×5 ​​metri  e comprende molti strati, che iniziano con una bella trama di tela canvass, quindi una base di olio bianco,  spazzolature di colore, gocce di vernice di alluminio, gocce nere con ghiaia incastrata (di cui alcuni pezzi  si sono persi  nel corso degli anni) e poi tocchi di colore puro.

Sono stati utilizzati  diversi tipi di vernice, compreso l’olio, di uso domestico ed altri prodotti commerciali e, probabilmente, una vernice acrilica.

Ci vogliono mesi di lavoro per la cura che  Dorman usa  per rimuovere, con i solventi,  la vernice vecchia di quarant’anni. Il restauro richiede anche un alto livello di lavoro di indagine e di ricerca per reperire quante più informazioni possibili sul pezzo originale. Ciò significa capire se è stato dipinto su un cavalletto oppure sul pavimento, guardando dettagli di vecchi raggi X dell’opera  e vecchie foto di Pollock al lavoro, per cercare di raccogliere qualsiasi informazione supplementare che potrebbe essere utile.

Dorman ha sottolineato come sia importante fare adesso questo lavoro, a causa dell’alterazione che la vernice promuove sui materiali originali nel corso del tempo.  E potrebbe essere troppo tardi se ci fossero ulteriori ritardi.

Il restauro è particolarmente complicato perché alcuni  materiali, per loro natura sono lucidi e altri sono opachi. Quindi, nel lavoro di Dorman, nel rimuovere  la vernice lucida, le modifiche sono sottili, impercettibili. E a causa della presenza di materiali di diversa natura, il processo di ripristino diventa esso stesso un progetto di ricerca per l’individuazione del solvente che sia più idoneo a  tale scopo –  informazioni che risulteranno utili, in futuro, ad altri che opereranno nel settore.

Il lavoro è finanziato dalla Banca America’s Art Conservation Project, che ha fornito circa $ 2 milioni dal 2010 per restaurare opere d’arte e manufatti di valore storico e culturale nei paesi di tutto il mondo.

Jackson Pollock Restauro

Traduzione Articolo di  ELAINE THOMPSON – Huffpost Arts & Culture – 28 Novembre 2012




VI Convegno Biennale Internazionale Colore e Conservazione

VI Convegno Biennale Internazionale Colore e Conservazione – Parma 16-17 Novembre 2012.
Seguite la nostra diretta Twitter su #coloreeconservazione2012 @PdRestauro.
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Siamo lieti di informarvi che il Portale del Restauro è Media Partner ufficiale del convegno.
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Arte: Firenze, restauro Porta Nord del Ghiberti per riportare alla luce oro

Firenze, 7 nov. – (Adnkronos) – Il restauro della Porta Nord del Battistero di Firenze, uno dei grandi capolavori di Lorenzo Ghiberti, iniziera’ a primavera 2013 e terminera’ nel 2015. L’intervento chiarira’ se la Porta Nord era tutta o in parte ricoperta di oro come la Porta del Paradiso. Lo ha annunciato oggi Franco Lucchesi, presidente dell’Opera di Santa Maria del Fiore, in occasione della presentazione al pubblico del progetto di restauro e sostituzione della Porta Nord, a cui e’ intervenuto anche il cardinale Giuseppe Betori, arcivescovo di Firenze.    Intorno a Pasqua 2013, la Porta Nord sara’ rimossa dal Battistero e iniziera’ il restauro che durera’ due anni. Al suo posto sara’ collocata una Porta di bronzo e legno su cui saranno inserite le repliche delle formelle man mano che saranno realizzate. Alla fine del restauro, nel 2015, la Porta Nord sara’ collocata nel nuovo Museo dell’Opera di Santa Maria del Fiore, accanto alla Porta del Paradiso. La restituzione al pubblico della Porta Nord coincidera’ con l’inaugurazione del nuovo Museo che si terra’ in occasione della ”Settimana della Chiesa Italiana”.   Tutta l’operazione sara’ possibile grazie ad un sostanzioso contributo privato raccolto dalla Guild of the Dome Association, di cui fanno parte imprenditori di tutto il mondo, che reperira’ i finanziamenti per coprire il restauro e la sostituzione della Porta Nord con una replica ad opera d’arte, e all’Opera di Santa Maria del Fiore che gestira’ l’intero progetto, sotto la tutela delle autorita’ competenti.